mercredi 30 novembre 2011

Paul Hubweber & Philip Zoubek : trombone and piano

   Notes of the "Archiduc Concert - Dansaert Variations " CD by Paul Hubweber & Philip Zoubek, trombone and piano recorded in Brussels, november 2007. CD Emanem 5011. 

Once, during a concert intermission, I looked at a CD awaiting its buyer on the CD stall.  It seemed anonymous and unimportant, adorning a bright red monochrome abstract painting looking cheap on the cover.  The title NOBODY’S MATTER BUT OUR OWN reminded me that there are still some unknowns in the process of free improvisation, and no one knows better than the performer himself, who is all the while a strong and creative personality.  One of the musicians involved was just standing by my side and I immediately felt that the man became “inside” - very sincerely proud of this special work - when I opened the tray.  So, as improvised music is a matter of sincerity, I bought it immediately, and I did well.  I think it is now sold-out after having been poorly distributed.  NOBODY’S MATTER BUT OUR OWN is one of the most underrated recordings of European improvised music, issued by a low profile German label, NurNichtNur.  NNN’s catalogue has issued many gems, documenting mostly improvisers from the Northern Rhenan region.

   I was stunned by the depth of the overall sound of the duo music of veteran trombonist Paul Hubweber and young pianist Philipp Zoubek and the empathy created by them.  The subtle way how the innards of the prepared grand piano were moved with acute rhythmic sense and the spontaneous mapping of an architecture is rare to find even among the most accomplished improv practitioners.  It sounded at first as good as an ideal and hypothetical recording that the late Paul Rutherford and Fred Van Hove should have made or would have issued as a duo.  I had once witnessed a nice tandem of Fred and the late great Albert Mangelsdorff and subsequently Fred and Paul’s duets in Brussels and Ghent in 1977 and 1986 respectively.

   Derek Bailey once described Rutherford ‘s solo music (the famous GENTLE HARM LP now on Emanem 4019) as “the genuine article“, and that “it's a combination of the easy, the difficult and the impossible”.  And when I heard Hubweber’s focus on single sounds taking all his time to blow, Derek’s words immediately sprung to mind.  If the Afro-American New Thing of the sixties was guided by many fantastic saxophone greats like Coltrane, Ayler, Ornette, Roscoe Mitchell, Braxton, Lacy, Shepp, the number of trombonists of importance is quite small, and before the mid seventies, trombone was rarely heard in American free jazz.  A marvelous example is to be found in the Archie Shepp touring band of 1968 with both Roswell Rudd and  Grachan Moncur III kicked by the unmistakable pair of Jimmy Garrison and Beaver Harris.  Young drummer Paul Lovens was actually in the audience of the legendary Donaueschingen concert and absolutely loved what he felt and heard.  The recording of this concert (LIVE AT DONAUESCHINGEN on the SABA/MPS label) also became one staple of Paul Hubweber’s listening hours.

   The trombone became the wind instrument par excellence of the European improvised “answer” to free-jazz in some of its more original statements, and also many great pianists became very important actors in this scene.  The late Albert Mangelsdorff and Paul Rutherford, the Bauer brothers, Connie and Hannes, Radu Malfatti are familiar names but you should not forget such pioneers as Giancarlo Schiaffini, who performed with Nuova Consonanza, Willem Van Mannen, a stalwart of  the Willem Breuker Collektief, Nick Evans and Malcolm Griffiths who, with Malfatti, blew in Chris McGregor groups.  This blooming was paralleled by the uprising keyboard brotherhood of Van Hove, Schweizer, Schlippenbach, Dauner, Mengelberg, Riley, Tippett, etc….

   Born in 1951, Paul Hubweber began to freely improvise very early and to organise improvised gigs while still in his teens.  After having played guitar, drums and double bass, he went to a music shop in order to try two “serious” instruments: a bass clarinet and a trombone.  The brass clicked immediately with his mind and body and he fell in love with the “tailgate” instrument forever.  Living and working in Moers, Paul Hubweber was actually involved in the Moers festival‘s organisation – he is even credited for his technical work on the sound of an Anthony Braxton album issued by Ring Records.  At that time, he was still practicing the trombone everyday to hone his chops.  His idol, the late Albert Mangelsdorff, was a great jazz innovator praised on both sides of the Atlantic.  In the mid seventies, the Moers festival often presented great solo or duo improvised performances of trombonists of choice, and the Ring / Moers label issued some great recordings of these marvellous improvisers.  All of them are among Paul’s favourite trombone players.  Gunther Christmann had a string of very interesting albums, especially the duo with Detlev Schönenberg and his VARIO 2 with Paul Lovens, Marten Altena, John Russell land Maggie Nicols.  Paul Rutherford’ soliloquy OLD MOERS ALMANAC marked a new step after his legendary GENTLE HARM.  George Lewis, himself a Paul Rutherford fan, first gained exposed with ELEMENTS OF SURPRISE in duo with Anthony Braxton.

   During the seventies and eighties, Paul Rutherford, Gunther Christmann and Radu Malfatti specifically developed a whole new music in solo performances and group improvisations of the so-called “non-idiomatic” species.  It is remarkable that all three were intensely involved with percussionist Paul Lovens.  Since 2001, Paul Hubweber and the percussionist have made a fascinating trio with bass player John Edwards, PaPaJo.  If this moniker sounds a bit fatherly, it is no doubt that Paul’s music is deeply informed by the three elders while having developed a very personal voice and also investigated the jazz tradition.  For practicing, he plays many Mangelsdorff’s tunes, Charlie Parker standards and his own transcriptions of the Cello Suites of Johann-Sebastian Bach.  But as you can hear, his solo performances included in his own produced LÜRIX + PARANOISE and  TROMBONEOS (both on NNN) have the same feeling of freshness, innocence, invention and immediacy that permeate Paul Rutherford’s seventies recordings, and remembrances of Radu Malfatti’s air implosions with Stephan Wittwer (UND ? on FMP) and NEWS FROM THE SHED (Emanem 4121).

   Paul Hubweber plays as greatly as his elder colleagues, and his music is full of real meaning using all the possibilities deep in the logic of the instrument.  Almost in his sixties, Paul Hubweber has been a free-improvisation activist ever, fondly concerned by the values and sounds carried along the years by this way of making music.  Doing many jobs to survive, he never stopped to play and perform during decades in the relative underground of the Rhenanian improvising community, until he was fortunately noticed in the company of Paul Lovens and the late Peter Kowald some ten years ago.  Among the lifelong partners who shared his views and beliefs, you find the great double bassists Ulrich Philipp and Georg Wolf, the radical pianist Martin Theurer, percussionists Michael Vorfeld and Wolfgang Schliemann, guitarists Hainer Wörmann and  Erhard Hirt, saxophonists Georg Wissell, Dirk Marwedel, and the ever very supportive Paul Lytton.

   Quite a newcomer in the improvising scene, Austrian born pianist Philipp Zoubek shows a very strong personality and a fascinating control of the piano, surely the instrument most charged by the weight of European tradition and western musical culture.  He is living currently in Köln, and among his music partners, one can find bassist Achim Tang, trombonist Mathias Muche, Thomas Lehn, Frank Gratkowski and compatriot Franz Hauzinger.  It would be premature to try to point out the “influences” and starting points of Zoubek pianistic approach.  He is now growing in the early stages of his musical development and this young man, born in 1978, is as intelligent as his sensitivity is deep.  So that it would be shameful to create a pigeon-hole to pinpoint his work.

   Although his partner in the duo is carrying the story and problems of the improvised trombone, it is very difficult and nonsensical to locate Philipp on the map of the piano in free-improvisation.  Please forget Van Hove, Schweizer or Tippett!  For example, he certainly has a completely different view and sensitivity than those of Sophie Agnel (CAPSIZING MOMENTS Emanem 5005) or John Tilbury, who is by now all over the place.  Some writers often used Cecil Taylor as a reference point for anyone playing differently on the grand keyboard instrument.  They just showed their lack of imagination.  This music is mainly based on imagination and all the musical and instrumental skills required of someone performing piano for an hour in front of listeners, while fascinating and questioning them.  At one point, this duo can sound in a sophisticated noisy way and two minutes later, you get the very feeling of liberated jazz, even while the strings seem to be plucked and scraped.

   To my taste, this duo of Paul Hubweber and Philipp Zoubek is great as all that the likes of Parker, Bailey, Rutherford, Christmann, Van Hove, Lovens and Lytton of the world ever did, performing at their best.  May I remind everyone when Parker, Lovens, Lytton, Christmann and many others revolutionised our ideas and perceptions of musical improvisation, they were even younger than Philipp Zoubek is now (32) ?  So, don’t wait until his hair turns grey (which, I think, also applies to some other young players).
I won’t try to describe all the movements and sequences that happened in the Archiduc concert.  That music speaks for itself: listen to it!

P.S.  All our gratitude is due to Michaël Huon for being there as always, and for his appreciation of this concert.  Michaël, who has recorded many great pianists along the years from Fred Rzweski and Cecil Taylor to Mal Waldron, Veryan Weston, Fred Van Hove and Alex von Schlippenbach, and who owns his own studio with grand piano, told me that this concert is his favourite piano performance in L’Archiduc, since a fondly remembered Mal Waldron concert many years ago. 

pas appât  Paul Hubweber & Georg Wolf   trombone et contrebasse NurNichtNur

NurNichtNur est bien le label allemand à suivre pour qui veut se plonger dans la musique improvisée rhénane. La Rhénanie est cette région qui côtoie du Nord au Sud les frontières hollandaises, belges, françaises jusqu’à la Suisse et qui a vu grandir et se développer les Brötzmann, Kowald, Mangelsdorff, Rüdiger Carl, Paul Lovens, Hans Reichel et puis Frank Gratkowski, Georg Gräwe, Thomas Lehn etc… Cologne , Düsseldorf, Wuppertal, Essen, Moers, Aachen et Baden-Baden avec ses légendaires New Jazz Meeting , mais aussi le Darmstadt des compositeurs contemporains, … Cette histoire de la free-music rhénane a entraîné une activité locale qui a permis à des personnalités comme Georg Wolf et Paul Hubweber (parmi beaucoup d’autres) de se développer. Georg Wolf est un contrebassiste qui n’a rien à envier à Joëlle Léandre ou à feu Peter Kowald. Avec son vieux camarade Ulrich Philipp, ils forment une paire unique de la contrebasse concrétisée par leur excellent CD duo « Tensid » (NurNichtNur) admirable d’écoute mutuelle, de finesse et d’invention.
Dans l’évolution de l’improvisation libre l’exploration du trombone et de la contrebasse sont intimement liés. On songe à la paire Paul Rutherford et Barry Guy au sein d’Iskra 1903 au travail conjoint de Gunther Christmann sur les deux instruments et avec Maarten Altena et Torsten Müller, à Radu Malfatti et Harry Miller, immortalisés par les albums Ogun Bracknell Breakdown et SAJ « Zwecknagel ». pas appât est bien un step by step sans appât et une merveille acoustique, inventive qui nous fait entendre le trombone et la contrebasse dans le domaine de la finesse intégrale. Bien que Paul Hubweber soit un fan inconditionnel des Roswell Rudd, Hannes Bauer, Ray Andersen, des souffleurs au jeu puissant, voire bruyant et violent, il se situe aux antipodes de ces collègues privilégiant le souci du détail, des nuances et une véritable intelligence musicale. Le clair – obscur plutôt que la rutilance. Et un vrai maître de l’instrument. Pas pour rien qu’il joue régulièrement en trio avec Paul Lovens et John Edwards (PaPaJo). . Et avec Georg Wolf au gros violon, PH  a trouvé un véritable alter – ego. Digression et épure, spontanéité et introversion, relai et colin-maillard, invitation et dérobade, dialogue et commentaire, on a là une quantité de possibilités ébauchées, reprises, évitées, développées, abandonnées, recherchées et oubliées que plusieurs réécoutes successives ne permettent pas de saisir. L’art du démontage dans l’assemblage ou d’écrire un texte avec des bribes de mots et des accents sans consonnes etc… Un labyrinthe sans fin ! Un disque à la fois éprouvette et modèle, échafaudage, champ de ruine et architecture. Remarquable !

Simple Game. Papajo : Paul Lovens/ Paul Hubweber/ John Edwards. Cadence CJR 1209   Paul Lovens : percussions , Paul Hubweber: trombone, John Edwards: contrebasse. 

Papajo: Simple Game
Simple Game : jeu simple. Une véritable simplicité anime ce trio dans une infinité de détails et de modes de jeu. Le contrebassiste John Edwards requiert souvent un profond et superbe pizzicato alors qu’il nous avait habitué à un coup d’archet frénétique (Optic avec Butcher et Gateway avec Veryan Weston). Paul Lovens diversifie sa frappe de façon toujours aussi magistrale sans recourir à ces roulements infernaux qui furent sa signature dans le trio Schlippenbach (écoutez le démentiel Hunting the Snake un enregistrement de 1975 publié par Atavistic / Unheard). Sa démesure s’est épurée et il favorise une dynamique qui permet à Paul Hubweber de faire chanter son trombone dans la nuance sans avoir à éructer. Paul Hubweber est aux antipodes des Hannes Bauer,  Alan Tomlinson et Joe Bowie : tout en finesse et avec le souci du détail. Edwards est bien le type de contrebassiste improvisateur qui nous a fait défaut pendant des décennies. Ces dernières années, il adapte si bien son jeu avec chacun de ses partenaires au point qu’on est médusé par les métamorphoses. Ici ça sonorise et ça swingue tout autant, comme dans orleans trib (18 :56). La voix du tromboniste suggère celle de feu Paul Rutherford, un compagnon de route cher au percussionniste, avant qu’un thème parkérien affleure et conduise à un matériel évoquant Radu Malfatti. Il s’ensuit un court solo épuré de Lovens qui introduit un jeu simple de vibrations qui s’éteignent dans le silence. Les jeux simples de nos trois médiums racontent des histoires improbables sans hausser le ton. La grande controle (sic ! 4 :07) donne lieu à  une diffraction des harmoniques dans le tube au moyen des lèvres et un lyrisme apaisé qui aboutit à un moment d’apesanteur. Smell it (15 :42) fait coexister les trois compères dans des vitesses et des dynamiques toujours changeantes et subtilement contrastées. Il ne s’agit pas de solos mais de jeux qui s’intègrent l’un à l’autre soniquement sans abandonner la dimension « traditionnelle » du chant et du rythme. Vers la minute 13, cela « pulse ». La manière toute naturelle avec laquelle Hubweber pose son jeu sur celui de ses deux compères fait de lui un des plus grands improvisateurs actuels au trombone. L’incroyable multiplicité des séquences, aussi diversifiées qu’elles peuvent parfois être insolites, prend bien la mesure de la conscience  qu’ont les protagonistes de la signification profonde du mot improviser : l’invention permanente et l’exigence totale. Mais en restant fidèle à un équilibre triangulaire en apparence statique et à un son caractéristique. Une manière unique et une synthèse de différentes approches font de Papajo un des meilleurs groupes actuels d’impro européenne.  Cadence avait dèjà publié un Quintet Moderne avec Lovens, Harri Sjöstrom, Phil Wachsmann, Teppo Hauta Aho et Paul Rutherford à la qualité enregistrée un peu duraille. Avec Simple Game, le label de Redwood , NY nous livre un maître achat.

signé : 

Paul Hubweber a fait aussi deux albums solos, sortis sous le manteau chez NurNichtNur :
Tromboneos enregistré en 2002 et Lurix and Paranoise en 1996 .

lundi 28 novembre 2011

Molecular music : real time complex electro acoustic sounds in motion

       Inventé par Richard Scott du groupe Grutronic , le terme molecular music décrit subjectivement et simplement une manière complexe et approfondie d'envisager la musique électronique, l'électro-acoustique, live signal processing etc... à travers l'improvisation et la composition. Sont rassemblés ici des textes publiés par le magazine Improjazz et qui tentent de décrire un territoire aux contours passionnants. Ces musiques ne sont pas construites en studio, mais entièrement improvisées et/ou réalisées en temps réel sans aucun overdubbing ni transformation à posteriori. Elles doivent plus à l'imagination et au talent des protagonistes qu'aux récents développements technologiques que ces artistes transcendent au point qu'avec des écoutes successives, on en oublie l'aspect technique, emporté par les mouvements secrets et imprévisibles qui les animent.   Richard Barrett & Paul Obermayer du duo Furt, Lawrence Casserley, Walter Prati, Bill Vecchi, Joel Ryan, Grutronic, soit Richard Scott, Stephen Grew, Nick Grew et David Ross et aussi Ulli Böttcher sont représentatifs d'une tendance multiforme qu'on retrouve au sein de l'Electro-Acoustic Ensemble d'Evan Parker. Lui-même a tenu à produire tous ces albums sur son label Psi avec une belle constance.  Le label ECM a publié cinq cédés de l'EAE.     Jean Michel Van Schouwburg 

Sense FURT Richard Barrett & Paul Obermayer Psi 09.08

Pour quiconque s’intéresse à la musique contemporaine électronique au sens large depuis les recherches des années 50 jusqu’au sampling et à MaxMSP à la portée de tous, de Klaus Schulze à Sun Ra, des tentatives de Paul Bley au moog (en première mondiale) au succès des artistes Mego etc…. etc…. il est inconcevable qu’aujourd’hui on ne considère pas sérieusement la musique du duo FURT. Richard Barrett et Paul Obermayer sont de brillants compositeurs contemporains aventureux conquis dès leur plus jeune âge à la cause de l’improvisation radicale libre … et collective. Leur duo FURT joue une musique unifiée comme si elle était faite par un seul homme. Impossible de distinguer qui fait quoi, Richard de Paul. Véritablement improvisée collectivement, elle est animée par un sens du rythme fabuleux et, dans le cas de la composition Uranus qui couvre 46 minutes de Sense en se découpant en 12 Limen (de I à XII), par une gamme ludique d’échantillonnages articulés comme un ballet incessant de marionnettes délirantes. La musique d’Uranus, réalisée en studio, est très imagée et en appellera à l’imagination d’un public qui dépasse largement la scène relativement exiguë de l’impro radicale. La lisibilité et la complexité de l’œuvre sont absolument ahurissantes tout comme l’absence de prétention des protagonistes et leur sens de l’humour (certains y trouveront un côté amusant et ce n’est pas plus mal). Et la multiplicité des lignes  rythmiques est absolument unique !!!  Des voix de chanteuse, des instruments déformés, des phonèmes et cet orgue gargantuesque des deux premières minutes du final (Limen XII) qui abouti à des effets d’orgue de barbarie accompagnant un Holiday on Ice imaginaire. Délirant !!  Si Barrett et Obermayer avaient un pedigree rock, on appellerait cela du post-rock. Si ces deux artistes avaient une notoriété comme celles d’Eno, de David Toop ou de Rioji Ikeda, on crierait au génie. La deuxième composition, curtains, est dédiée à Karlheinz Stockhausen et enregistrée en concert à l’université de Cork en Irlande. Elle offre un autre aspect de leur talent et est aussi dense et détaillée qu’en studio. Se collisionnent une variété infinie de claviers et des souffleries qui évoquent un trombone ou un orgue explosés. Cela évolue vers un véritable feu d’artifice. Densité et complexité avec une articulation démentielle. Par rapport à Dead/ Live et Omnium, leurs deux premiers cédés pour Psi, Uranus et curtains sont un départ vers une nouvelle dimension qui est susceptible de rendre leur musique plus populaire. On imagine un Jacques Tati ou un Charlie Chaplin utilisant cette musique pour leurs films s’ils avaient été nos contemporains. Evidemment, l’efficacité se double ici d’un sens des nuances peu commun et de compétences dans la composition nettement supérieures à celles de nombreux artistes qui officient dans des univers proches.  Oublions les catégories et plongeons-nous tous ensemble dans l’univers de FURT. Absolument unique.

Integument  Lawrence Casserley -  Adam Linson Psi

Dans cette époque où beaucoup se veulent post moderne et d’autres branchés, la scène des musiques alternatives est envahie par  une quantité de propositions esthétiques / démarches électroniques parmi lesquelles certaines laissent perplexes. Un ordinateur portable, une carte son, une mixette, un ampli (de guitare ?) et le tour est joué. Lawrence Casserley a consacré toute son existence au développement de la musique électronique et plus précisément au Real Time Live Signal Processing.  Il a mis au point son propre système  de traitement du son des instruments en direct qui tire profit d’une expérience considérable. A l’écoute des différents projets auxquels il participe, il faut bien avouer qu’il est difficile de se faire une idée exacte de son champ d’action et de son potentiel  sans suivre notre homme à la trace. Live aux Instants Chavirés chez Leo /1997 avec Noël Akchoté, Evan Parker et Joël Ryan était une excellente carte de visite. Mais depuis cette époque, Casserley a multiplié les collaborations et chacune d’entre elles révèle une nouvelle dimension interactive (avec Barry Guy & Evan Parker, Charlotte Hug, Jeffrey Morgan, Gianni Mimmo etc…). Adam Linson est un excellent contrebassiste qui a développé un travail avec l’électronique et l’échantillonnage. Il a joué avec l’Electro-Acoustic Ensemble d’Evan Parker dont Casserley est un membre actif depuis des années. Son coup d’archet est remarquable. Il concentre ici son jeu sur les variations très subtiles de pression sur les cordes et le crin. Integument nous entraîne dans une singulière mise en commun de l’instant, des possibilités expressives de la contrebasse et des multiples métamorphoses via l’électro-acoustique. Lawrence Casserley utilise la source sonore de la contrebasse de son collaborateur en direct, en échantillonnant et avec un savant dosage des retards (lire delay) qu’il manipule via la surface d'i-Pads. Ses mains impriment des mouvements secrets sur la surface des écrans et ses pieds actionnent un assortiment de pédales alors qu’il contrôle les écrans de ses Mac  portables. De temps à autres ses machines projettent une improvisation « virtuelle » qui évoque distinctement une vision surréelle des échanges précédents. Casserley et Linson transforment le temps et l’espace et plusieurs écoutes successives n’en altèrent le rayonnement multidimensionnel. Fascinant.

Contraption  Bark !  (Rex Casswell Phillip Marks Paul Obermayer) psi 07.03
OMNIVM    furt   (Richard Barrett et Paul Obermayer) psi 06.09

L’extrême cohésion rythmique et sonore de la plage 1, Polaris, évoque un Brésil de machines et de scories électro pulsée par un batteur aussi elliptique que discret, Phillip Marks. La guitare de Rex Casswell et les échantillonnages de Paul Obermayer s’interpénètrent faisant corps avec les rythmes esquissés et implicites du batteur au point que l’auditeur se demande : qui joue quoi ? Et conclut : mais c’est dans le rythme. Ayant apprécié leur prestation mémorable du festival Freedom of The City 2001 où ils avaient été invités par Eddie Prévost, je suis encore plus ravi par cette Contraption. Ce que le trio perd en énergie brute par rapport à ce concert est largement compensé par la fluidité et la subtilité de la musique enregistrée ici. Je n’ai pas écouté le précédent cédé de Bark ! paru chez Matchless, le label d’Eddie Prévost. Pour les amateurs de post-rock, d’électro-improv et autre sub-catégorie, cet enregistrement marquera plusieurs de ces territoires d’une pierre blanche. Et il tranchera avec la grisaille ambiante. Je peux vous assurer que les responsables de Psi ont eu la main heureuse.  Paul Obermayer collabore avec Richard Barett depuis 1988 au sein de Furt.  Leur récent Omnivm (Psi 06.09) est une des meilleures parutions récentes dans le domaine des musiques électroniques live. Les duettistes sont crédités live electronics et l’auditeur sera surpris par l’extraordinaire variété de sons, de textures, de timbres et leur agencement que ce terme live electronics recouvre. Le contraste entre certains échantillons sonores (percussions, cithare, piano, voix, radios) et le grouillement rythmique qui leur donnent une autre vie. La présence d’une mbira (ou sanza) « géante » au début d’Obliged est saisissante. Il est d’ailleurs impossible de distinguer Barett ou Obermayer dans ce continuum sonore et rythmique. Car force est de souligner l’excellence rythmicienne des deux compères en temps réel et leur connivence incomparable . A mon humble avis, nous tenons là deux chefs-d’œuvre, faits pour être écoutés avec passion et avidité par dessus les catégories et la documentabilia. D’ailleurs, j’interromps cette chronique pour me replonger dans leur écoute : le temps est trop précieux et c’est bien une qualité première de Contraption et d’Omnium que de nous en faire partager l’urgence et l’évidence.

SET Evan Parker avec Barry Guy, Paul Lytton, Marco Vecchi, Walter Prati, Lawrence Casserley, Richard Barrett & Paul Obermayer Psi 

Enregistré en 2003, ce concert, commandé par la SWR à Evan Parker pour les Donaueschinger Musiktage, rassemble le trio du saxophoniste avec Barry Guy et Paul Lytton et les improvisateurs électroniques Marco Vecchi, Walter Prati, Lawrence Casserley, Richard Barrett et Paul Obermayer. Pour le duo Furt (Barrett et Obermayer), c’est leur première collaboration avec Parker et des membres de son Electroacoustic Ensemble. Pourquoi rassembler autant de musiciens électroniques, alors que jouer avec un seul d’entre eux  est déjà une chose suffisamment complexe en soi ? On pense à Lawrence Casserley. Le duo Furt est déjà un orchestre à lui seul. En fait, la réponse se trouve dans l’évolution du trio Parker / Guy / Lytton et de l’Evan Parker Electroacoustic Ensemble. Au travers des nouvelles technologies, on en revient aux premières heures de la scène improvisée londonienne et son utopie collective. Comme il s’agit d’une commande à son nom propre et sous son entière responsabilité, ces enregistrement sont intitulés au nom de Parker, même si le groupe est une version de l’EAE sans Phil Wachsmann, Agusti Fernandez et Joël Ryan. Le concert est dédié à Lynn Margulis, auteur de la Serial Endosymbiosis Theory (SET) et icône de la science biologique évolutive. Son travail a montré les similitudes structurelles entre les cellules des plantes et celles des bactéries. Evan Parker, doit-on le répéter, avait abandonné des études de biologie pour se consacrer à la musique. SET nous fait entendre des relations véritablement organiques entre la musique électroacoustique et l’improvisation musicale instrumentale. Une pièce électronique de cinq minutes (SET part 1 intro - studio) nous met en appétit auditif pour ce véritable chef-d’œuvre réalisé en concert. Dès la première seconde, on entend vrombir les tympani par frottement sur les peaux au moyen de mailloches en caoutchouc. Ce timbre s’immisce rapidement dans le tissu sonore électronique. Les nuances de l’introduction nous font profiter du travail de chacun des électroniciens sans qu’on devine lequel. Vraiment remarquable. S’ouvrant par une improvisation du trio sax ténor / contrebasse / percussions de quelques minutes, SET part 2 est un univers en mouvement perpétuel doté d’une architecture originale. Le ténor se détache du trio et s’évanouit presque dans les sons bruités ou « instrumentaux » des cinq électroniciens. Des bribes éclatées du trio se mêlent aux sons des instrumentistes.  Plusieurs sections mettent en évidence des séquences électroniques inouïes où chaque instrument est successivement aux prises avec l’inventivité des Casserley, Vecchi, Prati et Furt. J’écris Furt, car Barrett et Obermayer sont absolument indissociables dans leur musique : ils jouent ensemble depuis 23 ans comme un seul homme. Ici, le duo a fait le plein d’échantillons du trio Parker/ Guy/ Lytton. L’ensemble est étonnamment lisible et aéré malgré le nombre des participants. Marco Vecchi s’occupe exclusivement de la projection du son et son travail est essentiel. Entre les 22ème et 26ème minutes, ils multiplient les contrepoints autour du solo en frag -mentations de Parker au soprano. Cela débouche sur une atmosphère mystérieuse en demi-teintes et tout en souffleries, avec de longs mouvements amples qui mettent en évidence les détails des échantillonnages et des métamorphoses du son. La percussion de Paul Lytton s’intègre dans les rebondissements électro-acoustiques au point qu’elle semble générée par la machinerie. C’est à ce moment-là que le sax ténor et la contrebasse reviennent au premier plan pour relancer et puis clôturer ce voyage de 39 : 55 minutes. Notez qu’il était sans doute prévu de jouer 40 minutes, durée que les improvisateurs en action sont capables de mesurer in vivo sans horloge. SET part 3 nous offre encore une pièce électroacoustique remarquable.

Rot / Roh Ulli Boettcher – Martin Klapper  NurNichtNur  107 07 27
Schnack 3 Paul Hubweber – Ulli Boettcher NurNichtNur / Berlston 108 03 31

Il faut qu’on le dise : Ulli Boettcher est un des hommes à suivre de « l’électronique qui traite les sons acoustiques d’un improvisateur en temps réel » ou de l’electro acoustic impro (EAI). Tout comme  le duo Furt  de Paul Obermayer et de Richard Barrett, la complexité et une passionnante dimension rythmique sont sa marque de fabrique, Böttcher étant aussi un véritable percussionniste. Son matériel dérive du logiciel LISA mis au point au STEIM d’Amsterdam, l’institution dirigée par feu Michel Waiszwicz, tragiquement disparu cette année. Dans Rot/Roh, il fait corps avec l’attirail improbable de Martin Klapper, un cinéaste tchèque installé à Copenhague. Crédité jouets et objets amplifiés, Martin Klapper a un côté farce et attrapes réjouissant qui donne à la musique une approche fortement ludique. Les échantillonnages sont parfois humoristiques et les jouets… ! Dictaphones, thérémin, instruments électroniques (et samples) bon marché et devenus obsolètes etc… dont il transcende le côté fruste avec un réel sens de la dynamique et de l’à propos. Quinze pièces réparties avec 59 points digitaux et qu’on peut écouter en aléatoire, comme le suggèrent les artistes en passant d’une des 59 plages à n’importe quelle autre. La musique s’enchaîne de façon parfois surprenante, multipliant ainsi les possibilités de lecture. On ne s’ennuie pas un seul instant tout en se demandant souvent qui joue quoi. Avec Schnack !, Boettcher fait un fantastique tandem avec le tromboniste maison de NurNichtNur, Paul Hubweber. Enregistré au Steim en avril 2007, Schnack 3 se découpe dans une suite de 20 pièces concises et courtes d’une phénoménale diversité. Par rapport à leur précédent vinyle Schnack ! (aufabwegen/anthopometrics 2005), les champs sonores de chacun s’imbriquent autrement et se complètent toujours avec une créativité très imaginative. Leurs modes de jeux déjà sophistiqués et complexes y sont renouvelés. Pas de longues envolées, mais une précision infernale. Cela fourmille de détails, de questions-réponses abruptes et de clin d’œil improbables. Quand Boettcher échantillonne directement le trombone, c’est un vrai régal. Mais Hubweber mime le trombone trafiqué à la perfection pour notre plus grande confusion.  Ces deux – là ont un sens de la forme exceptionnel qui marie l’aspect compositionnel et le goût de l’improvisation la plus vive. On réécoute ce cédé une dizaine de fois pour en découvrir toute la substance : un sommet dans le genre. Ce duo a invité Michel Waiszwicz en personne pour plusieurs concerts avant que celui-ci soit emporté par la maladie. C’est dire la consistance de leur démarche. Paul Hubweber est bien un tromboniste improvisateur majeur et dans le subtil, un maître à jouer unique en son genre. Il transcende le rutherfordisme et le malfattisme avec génie. Schnack ! est un groupe de tout premier plan.  Deux cédés hautement recommandables et qui démontrent le rôle de premier plan de NurNichtNur en Allemagne. Le nombre de pièces à convictions de la plus haute qualité publiées par le label de Kleve et son parti pris de découverte de talents exceptionnels qu’on peine à voir ailleurs en font des 3 N la marque allemande à suivre. 

GRUTRONIC Essex Foam Party Psi 2009

GRUTRONIC +  Evan Parker Together in Zero Space Psi 2011

Grutronic est un groupe d'improvisation électronique établi en Grande - Bretagne et composé de Stephen Grew, ici aux claviers électroniques et processing, de Richard Scott, crédité "buchla lighting", kaoss pads, synthé analogique, sampler, Nick Grew, transduction et processing, et David Ross au drosscillator. Le label Psi d'Evan Parker sort coup sur coup leurs deux enregistrements, Essex Foam Party, où interviennent parfois le vibraphoniste Orphy Robinson et l'électronicien Paul Obermayer, et Together in Zero Space, avec Evan Parker en invité. Les notes de Richard Scott revendiquent l'héritage du Spontaneous Music Ensemble de John Stevens, légende que Scott a bien connu et interviewé il y a 25 ans. Au-delà de cette lignée assumée, il évoque l'appartenance de Grutronic à une tendance électronique "dure" vouée à l'improvisation radicale et à la complexité auxquels se rattachent les groupes frères Furt (Richard Barrett et Paul Obermayer), Bark! (Obermayer, Phil Marks et Rex Casswell) et la nébuleuse Electro Acoustic Ensemble d'Evan Parker. Scott qualifie cette approche de "moléculaire",  en relation avec des modes de jeux d'un nouvel âge et qui étendent la syntaxe de l'impro libre avec des paramètres peu usités et des innovations / solutions originales qui transcendent les nouvelles technologies. Personnellement, je pense à Lunge et à Super Model Super Model, deux groupes réunis par la tromboniste Gail Brand avec Pat Thomas ou Gino Robair (label Emanem). Une fois tracés ces liens quasi-familiaux, on s'aperçoit dès les la première écoute que les musiciens de Grutronic ont construit un univers original immédiatement reconnaissable qui se distingue franchement des autres groupes précités oar les sons et les formes créées dans le vif de l'improvisation. Oubliés les lap-top austères de l'EAI tendance, on traverse ici un univers bruissant, coloré, polyphonique, plein de contrastes et de rebondissements imprévisibles. Musique spacieuse et aérée, à l'opposé du tourbillon dense et tendu  de Furt ou des rafales claudicantes de Bark! Joyeusement ludiques, sa lisibilité
 et son dynamisme éclairent les détails infimes du travail sonore. Accélérations, mues, glissements, textures évolutives, pulsations, leur répertoire est vaste. Essex Foam Party s'accroche épisodiquement à des beats distendus, alors que Together in Zero Space, comme son titre l'indique scrute les failles du continuum espace -temps. Pas d'overdub : tout a été enregistré en concert depuis 2006. Chaque musicien contribue au son collectif sans qu'il soit possible de discerner l'apport individuel et deviner les gestes des instrumentistes. Tous les quatre ont une solide expérience instrumentale acoustique. Simon Grew est un pianiste qui compte, ayant enregistré un quartet de pianos avec Howard Riley, Keith Tippett et Pat Thomas. Pour un musicien aussi demandé et incontournable qu'Evan Parker, il est tout-à-fait remarquable que son label Psi consacre autant de cédés à cette école "moléculaire", alors que ces musiciens figurent rarement dans des événements majeurs (1). Il faut se rendre à l'évidence. Le saxophoniste, figure quasi (grand-) paternelle, véritable Santa Claus de l'improvisation libre, est resté un indécrottable utopiste qui ne lésine pas pour soutenir indéfectiblement des artistes brillants, trop méconnus. Souvent, les véritables innovateurs n'enfoncent pas des portes déjà largement ouvertes par d'autres et doivent s'imposer malgré l'indifférence. Evan Parker pourrait se contenter de faire des ronds de jambe avec des artistes archi-reconnus et pipeuliser son label. Cherchez Simon et Nick Grew, Richard Scott ou David Dross aux programmes des festivals qui comptent, vous aurez bien du mal. Pourtant leur cohérence et leur entente parfaite produisent des moments superbes, surtout durant les deux longues improvisations de concert de Together in Zero Space. Evan Parker s'y inscrit parfaitement dans les espaces ouverts avec son soprano comme cinquième membre du groupe, plutôt que comme soliste invité. Il nous fait entendre l'atomisation de la phrase musicale et cette articulation démentielle qui alterne bruitages, sons effilés, doigtés impossibles, harmoniques, coups de bec et accélérations vertiginieuses du souffle. La musique de Grutronic évoque réellement cette approche dite moléculaire : notre imagination visionne ces dessins multidimensionnels qui représentent l'infinitésimale architecture des particules de la vie. Une musique palpitante et trop rare. Ces deux albums  sont, malgré l'absence de notoriété des protagonistes de Grutronic, une affaire à suivre dans l'univers des musiques électroniques au-delà des modes.  
 J-M Van Schouwburg

dimanche 27 novembre 2011

Carcasses vibrantes, cuivre sur le fil , ivoire à la dérive

Quelques albums du piano transformé en machine à sons, carcasse vibrante, cordages frémissants, objet percutoire par quelques explorateurs intrépides....  hommage aussi à cet album peu connu du pianiste Martin Theurer en compagnie de Paul Lovens, Der Traum der Roten Palme (FMP 095 1981) et aux Constructions of Ruins de Greg Goodman,  pianiste préféré du mystérieux Woody Woodman. Constructions of Ruins, titre révélateur ...  Le pianiste Denman Maroney a laissé un témoignage fécond et rare, HyperPiano (Monsey Music 1998) où interviennent des séquences rythmiques d'une grande complexité. Il utilise systématiquement "un tas d'objets pour bloquer, glisser sur, gratter, frotter, frapper les cordes : barres, bols, cloches et écraseurs métalliques, boîtes et bouteilles plastiques, mailloches de plusieurs sortes et des blocs de caoutchouc, conjointement avec l'action normanle du clavier". Un document indispensable.... J-M VS.

One Island  Jacques Demierre Creative Sources
Emanem a encore frappé. Martin Davidson a ralenti le rythme de ses parutions pour se concentrer sur des chefs d’œuvre. Après les solos de pianos de Veryan Weston (Allusions) et de Sophie Agnel (Capsizing Moments) et ces deux fantastiques ensemble de cordes (Stellari String Quartet et le trio Arc), voici la cuisine nocturne et infernale de Ross Bolleter. Ce pianiste australien de l’extrême a détourné la hantise des pianistes, l’état parfois catastrophique des pianos, en recherchant des pianos abandonnés, détériorés et à l’état de ruines pour les recycler. S’adaptant avec ce qui reste de sonore, Bolleter crée un nouvel univers musical qui n’appartient qu’à lui. On reconnaît son empreinte assez vite. Après un premier album Emanem mémorable, Secret Sandhills and Satellites, voici le chef d’œuvre total de l’équarissage définitif du piano en tant que symbole musical de la civilisation occidentale. Dans la cuisine du WARPS studio, il y a quatre engins ruinés qui eurent servi en leur temps de piano …! Quatorze pièces, la plupart assez courtes nous emmènent dans un tour du propriétaire de ce sanctuaire de carcasses, de touches et de cordes en état pitoyable. On aurait essayé de préparer des pianos, impossible de parvenir à un ensauvagement aussi naturel. Dans la pénombre de la nuit, cela sonne encore mieux. Un morceau, Kiss Kiss, est enregistré dans le Wamblyn Ruined Piano Sanctuary en pleine cambrousse. La pochette contient une liste détaillant chaque instrument original. RB recommande de ne pas confondre un West Australian Ruined Piano d’un Neglected Piano ou un Devastated Piano ! Certaines des improvisations sont inspirées par les Peintures Noires de Goya, d’autres par le désert d’Australie Centrale ou les photographies de Vivienne Robertson comme celles qui ornent la pochette. Rassurez – vous : c’est vraiment de la musique et c’est magnifique. Irrésistible !

PS : Impossible de faire venir ces ruines sur une scène européenne ! Il ne vous reste plus qu’à vous rendre sur place !

Capsizing Moments   Sophie Agnel Emanem 5004

Cette série 5000 d’Emanem s’annonce passionnante ! L’accent est mis sur les pianistes (Allusions de Veryan Weston, Check for Monsters avec Steve Beresford et Ananke avec Milo Fine au piano) et parmi  ces excellents cédés il y a fort à parier que ces Capsizing Moments retiendront sûrement l’attention. De longue date, les pianistes free ou impro (comme vous voulez), jouent à l’intérieur du piano, dans les cordes, en utilisant des instruments de percussion ou des objets et le préparant. Des pianistes comme Fred Van Hove, Keith Tippett ou Sakis Papadimitriou s’y sont particulièrement distingués tout en conservant le jeu « traditionnel » sur les touches durant une bonne partie de leurs concerts. Plus récemment, Frédéric Blondy, Sophie Agnel  ou Sébastien Lexer jouent quasi exclusivement avec des préparations et des objets. Les notes de pochette de Capsizing Moments (en français) examinent cette pratique sous l’angle du monde contemporain (les artéfacts utilisés par Sophie Agnel : gobelets en plastique, cendriers aluminium, balles en caoutchouc etc…) envahissant le piano, symbole de la culture musicale européenne. Le pianiste californien Greg Goodman avait énuméré jadis avec une précision exhaustive les objets les plus hétéroclites qu’il avait utilisé dans l’enregistrement d’un de ces disques (The Construction of Ruins : The Australian Site/ Beak Doctor BD04 1982). Il inspira irrévocablement l’accordéoniste australien Ross Bolleter dans sa quête des Pianos Ruinés au fin fond de la campagne australienne (Secret Sandhills and Satellites Emanem 4128). Son collègue allemand Martin Theurer fut, à ma connaissance, un des tout premiers pianistes à plonger  par-dessus le clavier toute la durée d’un concert en utilisant des objets en vibration avec la table d’harmonie et les cordages. Le duo qu’il enregistra en 1981 avec Paul Lovens pour FMP, Der traume der roten palme (FMP0950), était sans doute un des enregistrements les plus radicaux pour l‘époque. Toujours – est-il que si la démarche de Sophie Agnel s’inscrit dans l’évolution d’une pratique subversive du piano, elle se distingue par son naturel et un sens aigu de l’instant. Ces qualités, parmi beaucoup d’autres, confèrent à sa performance enregistrée aux Instants Chavirés un air d’éternité comme si elle concentrait dans l’activité de ses mains au milieu de son « jardin potager » (cfr son interview in Improjazz) les souvenirs et les espoirs de ceux qui se sont adonnés à cet exercice exclusif : l’ensauvagement du piano, « the bourgeois beast » ( dixit Veryan Weston). Dans la partie médiane, des grappes de notes carillonnent avec un arrière-goût saturé, causé sans doute par des objets placés sur les cordes voisines. Ce concert se termine dans un quasi-silence et un gémissement fantomatique de cordes sous la pression d’un quelconque objet plastique. Balançant inexorablement les grincements, stridulations, étouffements, vibrations voilées, etc…dans une étonnante polyphonie, des mouvements irréels soulèvent le flux musical comme ces courants marins dont les directions insaisissables à proximité de la terre ferme nous éloignent ou nous rapprochent des écueils contre toute attente. Une véritable révélation.

Kryscraft  Marjolaine Charbin & Frans Van Isacker Creative Sources CS 196

Une étendue d’eau boueuse parsemée de moignons de béton qui se dressent à la surface, un cable électrique pendouille par-dessus une vieille balise. Ce cliché photo est repris au verso et dans le boîtier avec des cadrages insensiblement différents. Un des morceaux de l’album fut enregistré dans une salle voisine de cette mare, source près de laquelle se tenaient autrefois des brasseries fameuses emportées aujourd’hui par la mondialisation. La nappe phréatique submerge le terrain excavé pour un projet immobilier abandonné lors du krach de 2008. Un décor désolé. L’eau reflète comme dans un songe le flottement des vibrations dans la carcasse du piano. Le saxophoniste explore, fragmente ou enfle la colonne d’air à l’écart des évidences. Son chant intériorisé éclate par instants dans des morsures. La pianiste ouvre et ferme le portfolio des improvisations avec un sautillement d’ivoires limpide et caractéristique. Son toucher suggère la danse, le mouvement du corps. On goûte la saveur de subtils décalages d’une aisance saisissante. Le frottement du bois et du caoutchouc sur les cordes, les grattes et les griffes tout concourt à noyer le souffle. La vibration de l’anche semble disparaître et renaître  au fil des tremblements de la table d’harmonie et des glissés sur les fils de cuivre. Cette mise à nu des sons arrête le temps, méditation et cri sourd mêlés, dégrossit le subtil entrevu dans les froissements des cordes. Cette volonté de renouveler la pratique et le sens de l’improvisation convainc sans appel. Marjolaine Charbin et Frans Van Isacker, liés par une amitié humaine et musicale, sont de sincères aventuriers de leur quête sonore ; celle-ci laisse parler leurs instincts dans un état second de questionnement poétique. La vie profonde en lieu et place d’une posture mimétique qui s’est figée. Pour qui les ont entendus in vivo, ces deux musiciens ont une grande présence… Très attachant et à écouter en concert.

the middle distance chris BURN philip THOMAS simon h.FELL another timbre at24

La tendance de la typographie britannique contemporaine est de privilégier l’usage des minuscules dans les titres d’œuvres littéraires ou musicales. La musique contemporaine actuelle vivante s’est elle-même débarassée du formalisme et d’une emphase d’un autre temps. looking ahead, seeing nothing et les quatre morceaux qui suivent forment the middle distance et mettent en scène une contrebasse et deux pianos . L’un « non préparé » via le canal gauche de la stéréo et l’autre « préparé » via le canal droit. Celui de gauche est joué par Chris Burn dans le piano et sur le clavier et celui de droite par Philip Thomas sur le clavier. La contrebasse de Simon H. Fell, un musicien installé en France depuis quelques années, s’inscrit au milieu de ces échanges avec beaucoup d’à propos. Cette musique retenue, concentrée et sans concession frise le chef d’œuvre, si cela est possible en musique improvisée. La démarche des trois artistes se rapproche de la musique contemporaine occidentale tout en conservant le goût de l’instant qui s’échappe inexorablement.
L’atout majeur de cette formation réside dans le degré profond d’intégration et de complémentarité des deux claviers l’un à l’autre comme si les deux pianistes jouaient d’un seul instrument. La subtilité avec laquelle le contrebassiste s’insère dans la construction de la musique le rend parfois « invisible » et pourtant c’est bien lui qui semble entraîner les deux pianistes vers l’aventure. Si aujourd’hui, le pianiste John Tilbury est devenu une référence incontournable, ce serait dommage que des collègues tels que Chris Burn et Philip Thomas restent dans l’ombre. Chris Burn fut longtemps l’alter ego de John Butcher et est un excellent interprète de Cage et d’Henry Cowell. Philip Thomas avait réalisé un superbe enregistrement solo, Comprovisation (.Bruce’s Fingers , le label de SH Fell). Il y interprétait / jouait des œuvres  de Paul Obermayer, John Cage, Michael Finissey et Mick Beck. Ces enregistrements de ces deux pianistes n’ont rien à envier à ceux du maître. the middle distance sera une belle découverte pour tous ceux qui apprécient John Tilbury. Celui-ci a définitivement réinventé le toucher du clavier du piano préparé et sa résonance dans le temps et l’espace comme a pu le faire en son temps un Paul Bley avec son légendaire opus ECM , Open, To Love. Ici Philip Thomas et Chris Burn recyclent l’expérience tilburyenne en la vivifiant à l’aune de la complexité. Si le duo d’AMM (Prévost – Tilbury) semble flotter magistralement dans une définition toute particulière du temps, étirant une action durant plus d’une demi-heure, nos trois compères abordent la matière de plusieurs hypothétiques concerts en développant les idées /canevas de leurs cinq « comprovisations » tout en synthétisant magistralement ces options dans des durées nettement plus courtes. Stase, répétition, variation, investigation, réponse, cycle, échappée, cadence, rebond, fragments qui se complètent, similitudes contradictoires, échos presque mimétiques, on peine à recenser toutes leurs figures de style. La réécoute de cette musique ne finit pas de revisiter ses innombrables détours et perspectives. Un vrai plaisir !

Carré Bleu Michel Doneda Frédéric Blondy Tetsu Saitoh Travessia Trv 03

Publié sur le microlabel Travessia du contrebassiste nippon Tetsu Saitoh, cet enregistrement de concert est dédié à la mémoire de Bernard
Prouteau, un supporter indéfectible des musiques libres disparu après avoir travaillé des années dans un endroit rare, Carré Bleu, où ce concert a été enregistré. Au centre, une carcasse frémissante, un radeau grinçant qui semble remonter une rivière sans fin et traverser des lacs froids au-dessus des abîmes. C'est ce qui reste d’un piano « grand », quand les mains adroites et l’imaginaire réactif de Frédéric Blondy métamorphosent cette machinerie de cables sous tension en l’appareillant de baguettes et d’objets mystérieux. Les  marteaux, touches, billes en verre et morceaux de bois s'affolent, grincent, glissent, l'âme s'émeut, éclate, divague … A la godille, Tetsu Saitoh anime la torsion des quatre cordes et des crins dans le ventre du gros violon. Frémissements sous le vernis du bois qui enfle et se tord indéfiniment. Sur la quille, Michel Doneda éructe des appels à travers le tube, le bec et les clapets de sa corne magique frictionnant le flux d’air audible par-dessus le fracas assourdi du pied par le pirate du clavier. Emportés par une force invisible, ils ne se parlent pas, mais chacun mêle ses bribes de sens dans un courant de conscience éperdu – d’inconscients en éveil – les variations de signes et leurs perceptions étant infinies, libres, sans appel ! Une belle aventure en témoignage de l’amitié d’un frère disparu.

Nobody’s Matter But Our Own. Paul Hubweber & Philip Zoubek. NurNichtNur

Hubweber / Zoubek InlaySi vous avez été conquis par Paul Rutherford et Fred Van Hove, ce disque est pour vous. J’ai eu l’occasion d’écouter deux concerts de leur duo, il y a très longtemps, et je regrette fort l’absence de témoignage enregistré de leur collaboration. Le travail de Van Hove de 1976 à la fin des années n'est quasi pas documenté et c’est bien dommage. Alors, mettez la main sur ce Nobody’s Matter But Our Own de Philip Zoubek et Paul Hubweber. Leur musique est aussi excellente et inspirée que celle de nos deux pionniers. Si Hubweber évoque Rutherford, c’est aussi parce qu’on entend chez lui autant de sincérité et de subtilité que de poésie et d’humour tendre. Et sans esbrouffe ! Bien sûr, le tromboniste de Cologne ne s’en cache pas, Paul Rutherford fut une inspiration et l'élève n'a plus rien à envier au maître. Il suffit d’entendre son magnifique Tromboneos pour le même label Nurnichtnur (2002) pour s’en convaincre : c'est le top ! Dans ce très beau duo avec le pianiste Philip Zoubek, le tromboniste met en valeur les inventions du pianiste, un des meilleurs dans ce genre de musique, « improvisée libre ». « Meilleur » est une affaire de profondeur d’inspiration et de faire véritablement sonner l’instrument à travers la technique qu’il s’est choisie. Zoubek atteint ici le vécu et l’intensité d’un Van Hove avec des moyens différents. Il prépare soigneusement son piano et son jeu avec les cordes offre quelques similitudes avec la démarche de Denman Maroney (cfr Hyperpiano /Monsey Music, un enregistrement solo de 1998 autoproduit et hautement recommandable). Mais l’affect et les sons de Zoubek agissent dans un autre registre sonore et émotionnel que celui du pianiste de New-York. Les sons des cordes « stoppées » sont superbement intégrées aux notes des cordes vibrantes avec une précision rythmique et harmonique confondantes et des doigtés singuliers.  Sans effets clinquants et avec des sons de harpe folle, il laisse le champ/ chant libre aux vents de la coulisse durant les 3’51’’ de Moving Foreward, qui inaugure ce cd. Leur musique s’épanche sans précipitation dans Night (21’32’’). On se souvient de la formule de Paul Rutherford « When  I Say Slowly I Mean As Soon As Possible », le titre du disque de son duo avec Paul Lovens, alors jeune et impatient (Po Torch/ PTR JWD 003). Dans ce même état d’esprit, les sons suspendus et flottants de  Zoubek et Hubweber captivent l’attention dans cette très longue plage. C’est véritablement une belle performance. Hubweber a comme Rutherford un sens harmonique très sûr et une véritable fantaisie d'improvisateur. Il confère ainsi  une consistante musicalité à toutes les turbulences de sa colonne d’air  dans les tuyaux du trombone.  Et quand, passée la dix- huitième minute, les échanges s’agitent et que le pianiste fait songer à l’éternel Thelonious, on est vite surpris d’entendre les vingt et une minutes de Night s’achever. Le morceau qui donne son titre à l’album, Nobody’s Matter But Own, prolonge Night avec intelligence et un rythme enlevé.  Les quatre plages suivantes (entre 7 et 4 minutes) offrent d’autres perspectives bien rendues par la prise de son. Je pense à ces très beaux « intérieurs » de piano de Not Against JC et de What Else Can I Say. C’est d’ailleurs le cas de le dire. C’est pourquoi je résume : c’est très sincèrement de l’improvisation libre dans ce qu’elle a de meilleur. Un état de grâce à recommander absolument et Nurnichtnur s’affirme de plus en plus comme un label à suivre. On peut écouter Nobody’s Matter vingt fois par semaine sans se lasser un instant que ce soit le matin, le midi ou le soir. J’adore.
PS :  C'est la raison pour la quelle j'ai produit personnellement le CD "Archiduc Concert" du même duo (Emanem 5011) et comme Nobody's Matter n'est quasi plus disponible... 

Kopros Lithos  EFG : Peter Evans / Agusti Fernandez / Mats Gustafsson  Multi Kulti

Trio EFG et l’ABC de l’impro libre au confluent de pas mal de tendances. Enregistrement et rencontre réussis. Ceux-qui apprécient Gustafsson, mais ne tiennent pas à le suivre dans les méandres de ses nombreux projets musclés et rutilants (avec Zu, O’Rourke, Sonic Youth, Brötzmann, The Thing, Barry Guy, Paal Nilsson-Love et même Merzbow etc..) trouveront sans doute leur bonheur. Les autres aussi, car l’énergie est palpable ! Un précédent duo de MG avec Fernandez avait atteint la masse critique (Critical Mass /Psi), mais ferait un peu figure de cliché pour ceux qui sont rompus à l’écoute de ces musiques, les autres y trouvant l’occasion d’une découverte rafraîchissante. Ici, avec l’inspiration et les techniques ahurissantes de Peter Evans, on voyage, et dans la recherche et dans les trouvailles. Gustafsson fait vibrer son baryton comme un marteau-piqueur au ralenti. Par-dessus les piquetages et les frottements d’Agusti dans les cordes du piano, l’effet est surprenant. Agusti se décarcasse pour faire sonner le piano comme un artefact bruissant, vibrant, post industriel. En brisant la gangue des pierres (Lithos) et en écartant les éclats, on trouve le cuivre, métal de plus en plus convoité par les voleurs. Métal souple et malléable, c’est avec lui qu’on fait vibrer les harmoniques, froisser les fréquences et résonner les carcasses… Les aléas statiques sont transfigurés par la grâce du talent, l’imagination s’échangeant comme un ballon dans les meilleures équipes. Kopros – Lithos justifie la réputation d’improvisateurs de ces trois musiciens très demandés, parfois contraints d’assurer dans les nombreuses aventures que leur notoriété suscite. Un bel album !!

Avenues Jacques Demierre - Isabelle Duthoit  Unit Records UTR 4201

Clarinettiste et vocaliste, Isabelle Duthoit s’immerge totalement dans le paysage – cadre du piano transformé en objet sonore – table de résonances, déconstruit et reconsidéré par la longue pratique et la réflexion de Jacques Demierre. Point de virtuosismes ici, les sons flottent en suspension ou saturent l’espace durant les huit pièces « avenues ». Nous entendons ce qu’il est advenu durant l’improvisation. On aurait aimé être présent. En effet, en tant que vocaliste, j’aurais aimé avoir pu me glisser dans le studio pour écouter ça. Voir triturer les cordages et vibrer le cadre de l’instrument, l’ensauvagement de ce symbole de la culture musicale occidentale. Mais surtout ça : la voix d’Isabelle Duthoit. Voir la chanteuse en action. La surprise provient ici de ce cri extraordinaire !  Une sauvagerie aussi et un raffinement inespéré. Ceux qui tiennent, à raison, Sainkho Namchylak comme la diva ultime de l’impro vocale, seront interloqués. Pas de trance, de déflagrations inouïes du larynx, ni de longues échappées ici, mais la même violence. De brèves expectorations pleines d’une rage froide, d’une douleur cérébrale, indescriptible. Son jeu éclaté à la clarinette complète très bien la démarche de Jacques Demierre. Celui-ci a développé une approche sonique faite d'outrances. La prise de son (remarquable) met en évidence la matière métallique faite de fils enroulés ou tendus, la résonance mécanique amortie d'une machine ruineuse et ... ruinée par ses grattements qui n'appartiennent qu'à Demierre. De la ferraille dans une grande caisse en bois. Un ready-made qui s'échappe de nos conventions. La musique du duo pose des questions et fascine. Fort heureusement, Duthoit et Demierre renouvellent le champ de l’improvisation sans pour autant faire allégeance à un -isme quelconque. Remarquable !

Ross Bolleter  Secret Sandhills and Satellites Emanem 4128
Pieces for ruined pianos and pianos on the edge of ruin.

Enfin accessible en nos contrées, un témoignage sonore d’une activité bien particulière : parvenir à s’exprimer sur des pianos ruinés qui gisent dans la nature australienne. Sur la photo de pochette, on voit Ross Bolleter trôner face à un tel piano au milieu des champs à la saison des moissons. Il ne s’agit pas de pianos transformés, détériorés, désséchés au soleil ou inondés avec l’intention d’en jouer ultérieurement, mais bien d’authentiques objets trouvés. Ross Bolleter tient à se distinguer de tous les John Cage du monde. Il ne force pas la chance : il la prend au vol. Le piano de la photo a perdu toute sa peinture émaillée, délivrant au regard le bois de sa carcasse. Celle-ci tremble au vent et sous les paluches de notre trouveur de claviers égarés. Au début des années ’80, Ross Bolleter fit la rencontre d’un pianiste singulier, Greg Goodman. Celui-ci publia entre autres un vinyle intrigant : « Construction of Ruins, the Australian Site » sur son label « The Beak Doctor » (dist.Improjazz). Goodman s’y livrait à une investigation sonore de l’intérieur des pianos au moyen d’objets trouvés australiens, cités d’ailleurs par Ross Bolleter dans son intéressant livret. Cet enregistrement n’est plus disponible, mais heureusement, depuis cette époque, Bolleter a creusé ce filon inespéré. Le piano droit abandonné comme ready – made (dans un champ !), depuis Marcel difficile de faire mieux. Pensez-vous que Johannes Rosenberg eût abandonné un de ses claviers dans un champ en prévision d’une installation d’instruments à cordes et violons repiqués ? Je laisse aux enquêteurs de la Rosenberg Foundation le soin de vérifier cette rumeur. Les World Association of Ruined Pianos Studies (WARPS ?) ont initié le relevé et l’étude des West Australian Ruined Piano (WARP). Espérons que le champ de leurs investigations couvrent des régions comme la Laponie, le Népal ou le Queyras. Quiconque s’intéresse à l’improvisation et à toutes sortes de manifestations de l’art sonore radical, au Performance Art ou au Land Art, ferait bien d’être oublieux de toutes ces catégories. Voici ce dont un artiste modeste est capable à force d’obstination. Secret Sandhills, la pièce la plus importante du disque, dure 28 minutes et est dédiée à la mémoire de Timmy Payungka Tjapangati, un artiste aborigène dont le Secret Sandhills est reproduit au dos du livret de pochette. Cette composition de Ross Bolleter est l’objet d’un montage d’enregistrements de six pianos différents via Pro Tools. La provenance et la localisation de chaque instrument est indiquée avec précision. On entend aussi un accordéon, instrument inséparable de l’idée que les Anglo-Saxons se font de la France (« Going to War Without the French is Like Going to War Without an Accordion »). Si je vous dis que parmi les satellites figurent une version du Time Waits de Bud Powell … Avec Ross Bolleter, on découvre comment le piano, symbole culturel occidental, s’intègre dans la nature australienne pas très loin des Great Fences de Jon Rose et des Lines de Jim Denley. 

J-M VS (textes publiés dans le magazine Improjazz auquel on peut s' abonner)